Bonnard

                                 Bonnard

Pierre Bonnard (1867-1947) fue el fundador del grupo simbolista del arte Nabis en 1888, cuyo objetivo era plasmar en sus cuadros una realidad que fuera más allá de lo óptico y lo perceptible. Podemos definir su producción como algo muy personal y original, Bonnard consiguió desarrollar un estilo propio destacando entre los demás miembros del arte Nabis.

Acogió influencia del Impresionismo, como por ejemplo, los colores complementarios, sobretodo en el uso de hacer las sombras. Del cubismo le interesó la manera de yuxtaponer los diferentes puntos de vista de un mismo objeto.

Todas estas influencias Bonnard las toma como un ejemplo a seguir, partiendo de una base hasta manejar las técnicas con un toque mucho más personal.

Pierre Bonnard pintó varios escenarios, una gran variedad de géneros, se podría decir que nos dejó el paso de su vida en sus obras. Eran temas de ámbito sobretodo doméstico, donde se desarrolla su vida.                                                                                                                                 

                                                                                                                  

Dentro de los retratos, el artista intenta representar lo más parecido a la realidad. No solía pintar a personas que no conocía o por encargo, más bien, se interesó por plasmar a su círculo de amistades más cercanos: su amante, su cuñado, sus amigos, sus familiares..., los retrataba de una manera muy natural, nada artificial, sin posados.

En cuanto a los autorretratos, Bonnard decide representarse tal y como era, sin llevar ningún tipo de complemento que pudiera desviar la atención del espectador o que diera el parecer de ser algo artificial y colocado para la ocasión. 

Sus interiores no tenían la intención de describir un conjunto de objetos en sí, el propósito del artista era hacer una alusión a sentimientos, como el amor, la ternura, la indignación o el erotismo. La composición solía estar cortada por una puerta, una ventana, o un objeto cualquiera, con el objetivo de centrar la atención sobre una persona o un conjunto en concreto.

           

       Desnudo en un interior                                                                                     Inteior

Los paisajes le sirvieron para poder proyectar sus ideas más personales, a menudo fusionaba lo real con lo imaginario, composiciones llenas de colores saturados. Decide darle un amplio encuadre a sus paisajes para poder jugar con la perspectiva. 

                                                                        Cagnes

Como era propio del grupo artístico al que pertenecía, su interés se desviaba mucho por lo exótico y por lo oriental. El color en sus obras era un elemento prioritario, colores superpuestos con un gran sentido estético, aunque algunas veces apostó por usar colores planos.

Bonnard falleció en 1947, dejando una huella dentro del arte no solo como simple artista, sino también como fundador del prestigioso arte Nabis. Pudo desarrollar un sin fin de grandes obras personales destacadas por su enorme colorido y suaves pinceladas. 

Goya

                                      

Francisco de Goya fue una figura bastante importante dentro de la historia pictórica española. Sus obras se inspiran sobretodo en el pueblo español, en su alegría, en sus sufrimientos, costumbres. Nos dejó reflejado un gran testimonio del tránsito histórico de España que cruza por una tranquila situación a los graves problemas y gran crisis del siglo XIX.

Su evolución artística se puede dividir por varias etapas, que se van desarrollando en un proceso constante de corrección y profundización.

Primera etapa: Punto de vista optimista de la vida, sus cuadros reflejaban los triunfos, temas amables, con una temática costumbrista donde permanecen los elementos de luz y los paisajes tomados del barroco español.


                                     
                                                                El Otoño

En su primera etapa predomina una gran sensibilidad por el Rococó. Está lleno de color, alegría y luz, mostrándose seguro en cuanto al dibujo.
En estos momentos, su boda con Josefa Bayeau le consigue abrirle las puertas hacia la corte gracias a su cuñado el pintor Bayeau, donde puede instalarse en 1774.

Segunda etapa: Su pintura se verá influenciada por su sordera, que se desarrolla a causa de una grave enfermedad en 1772, lo que dará un giro en sus cuadros volviéndolos más tensos y dramáticos. Fue un período marcado por el sufrimiento, una visión negativa de la vida, con un predominio del negro, de la mancha y un dibujo roto. Creció un gusto por los temas tristes y amargos, la soledad, el desprecio.

El entierro de la sardina

Lleva acabo en este contexto su famosa obra Los caprichos, se trata de 80 grabados en los que decidió utilizar una técnica mixta, dándoles cierto toque humorístico entremezclándolo con lo fantasioso. Pudo presentar monstruos, bestias, un mundo de brujas, mendigos, celestinas. Frases cortas titulaban las obras que componían dicha serie, reflejando la intención del artista.

Tercera etapa: Marcada fuertemente por los horrores que vivió a causa de la guerra de independencia. Sus cuadros fueron denuncia de la contienda, donde consigue plasmar algunas acciones heroicas. La serie más destacada es Los desastres de la guerra, donde se refleja un profundo sufrimiento provocado por la dura guerra.
La composición es bastante trágica, con numerosos escorzos dinámicos, con un realismo crudo donde podemos destacar en su obra Los fusilamientos del tres de mayo.

   
                                                             Los fusilamientos del 3 de mayo

Goya se comporta en este cuadro como un fotógrafo, denunciando las masacres realizadas por las manos francesas. Usó una pincelada gruesa, con tonalidades oscuras aunque en algunas zonas decidió dotarlas de luz para iluminar y desviar la mirada a esos focos, que recaen en el grupo de prisioneros. Divide el cuadro en tres grupos de personas, primero, los soldados, que no tienen rostro, símbolos de violencia y de muerte. Por otro lado, los hombres que van subiendo al montículo iluminados por una luz de un farol, y por último, los héroes ya derrotados tirados en el suelo encima de su propio charco de sangre.

Cuarta etapa: Sus obras empiezan a reflejar un gran pesimismo sobre la vida. Lleva a cabo la serie La tauromaquia, compuesta entre unos 40 grabados que reflejan escenas taurinas, una gran afición que tenía el pintor por aquella época.
También realiza sus Pinturas negras, compuesta por 14 murales. Podemos asociarlas a las pinturas más personales de Goya, donde el colorido es casi inexistente, con unas anchas pinceladas donde predomina el negro, el ocre y un rojo apagado.

   
                                                             Dos viejos comiendo sopa

Quinta etapa: Esta fue su última etapa, donde huye de Madrid y se instala en Francia. Aquí investigó procedimientos novedosos para sus grabados. En 1826, realizó un corto viaje a España para después regresar a Burdeos donde allí consigue terminar su última obra: La lechera de Burdeos.

                                          
                                                             La lechera de Burdeos


En esta obra Goya decide volver a colores ya abandonados y dejados, con una ancha pincelada. Predomina una gama de colores frías, terminando de representar una lechera solitaria y con semblante pensativo, poniéndole punto y final a su gran recorrido artístico. Goya, murió en abril de 1828, con la edad de 82 años.