Picasso

                               PICASSO

                                    

Picasso (1881-1973)  fue el mayor exponente del Cubismo español, uno de los primeros movimientos de vanguardia. Además, fue el iniciador de la imagen del artista moderno.

Podemos dividir su largo y gran recorrido artístico en varias etapas:

Primera etapa: fue donde recibió su primera formación gracias a su padre, desde muy temprana edad destacó en em dibujo. Empieza a introducir influencias de otros grandes artistas anteriores como Toulousse-Lautrec, Vicent Van Gogh, Velázquez...
Los temas q predominaban en esta etapa de Picasso eran sobretodo los cabarets, los toros, una de sus grandes aficiones, y los circos. Poco a poco se va alejando del realismo con el fin de convertir la realidad en pintura pura.

                 

                                                               Ciencia y caridad

Época azul (1901-1904)
Su desencadenante fue el suicidio de su amigo Casagemas, quien lo empujó a un período donde prevalecía la tristeza en un ambiente simbolista con algunos matices del Expresionismo. Se caracteriza por un predominio de las gamas frías, sobretodo preferencias en los tonos azules como color asociado a la tristeza, a la soledad o a la melancolía.
Sus temas preferidos durante esta etapa eran los personajes vistos bajo un punto de vista negativo en la sociedad, los marginados, los pobres y mendigos, los enfermos. El dibujo se caracteriza por unas figuras con una anatomía alargada, unos formas angulosas, posiblemente encontró inspiración en las obras del Greco. Con un trazo firme y seguro.

                                                                      
                                                                                 Viejo ciego con niño           
                                    

Etapa rosa (1905)
Este período fue más optimista, más expresionista. La gama de color que predomina es sin duda, como revela el nombre de dicha etapa, los cálidos. Tonos rosados, a excepción de las sombras azules grisáceas.
En esta etapa elimina el canon alargado en el cuerpo de sus figuras, favoreciendo al volumen en las anatomía, alejándose de la expresión del sentimiento.
Se puede apreciar la figura del alerquín a modo de reflexión sobre el papel que tenia el artista en aquel entonces.

                                         

                                                                     Maternidad

Época negra (1906-1907)
En esta etapa su pintura se gira más a lo esquemático, con una clara influencia africana. Empieza a haber una ruptura con el realismo, disminuyendo su obra a un conjunto de planos angulares con una ausencia de fondo, donde las formas estan marcadas por líneas claroscuras.
Destacan las figuras femeninas y desnudos, con unos rasgos geométricos que recuerdan a las máscaras de origen africano.
Aparte de las influencias que recoge del arte africano, también acoge algunas ideas de Cézanne. Se puede destacar el gusto por un fondl quebrado, como si se tratase de un cristal roto, prescindiendo de proporciones lógicas del cuerpo humano, y alejándose del concepto óptico-sensorial, para así poder acercarse cada vez más al carácter intelectual de la pintura.

                               

                                                                     Las señoritas de Avignon

Época cubista:

Picasso irá evolucionado a un cubismo en su totalidad geométrico donde analiza cada posición de todos los elementos. Esta etapa fue mayormente conocida como cubismo analítico. El tema que predominó fueron los instrumentos musicales, paisajes o retratos.

Intenta comprender la naturaleza desde la misma pintura, intentando llegar a la esencia de las cosas. Descompone todas las partes para poder conocer con más exactitud cada elemento que compone un objeto. Utiliza las formas geométricas como el triángulo, rectángulos o cubos.

Predominan los colores sobrios, como los grises, ocres, los rojizos. La recta se impone a la curva y le da demasiada importancia a la técnica.

                                 

                                                             Retrato de Ambroise Vollard

Deja de lado el cubismo analítico y se pasa al lado del sintético, para recuperar parte de la representación de la realidad que había perdido en el proceso. En esta etapa, Picasso vuelve al color y las superficies crean una sensación de profundidad. Le da mucha atención a las texturas, en algunas partes da la sensación de esponja. 

Añade a sus cuadros la técnica del collage, que consistía incluir en el lienzo trozos de papel, periódico, revistas o telas, permitiendo así una gran variedad de texturas diferentes. 

                                           

                                                                Frutero y frutas

Período Surrealista

En esta etapa Picasso presenta forma distorsionadas haciendo referencia a los monstruos o seres mitológicos. 

   

                                                                Figuras al borde del mar

Periodo Expresionista

Con el inicio de la guerra civil, Picasso decide ir a una pintura más Expresionista pero siempre con la esencia del cubismo.

En esta etapa, pinta uno de sus cuadros más famosos: El Guernica.

                                                                                     El Guernica

Goya

                                      

Francisco de Goya fue una figura bastante importante dentro de la historia pictórica española. Sus obras se inspiran sobretodo en el pueblo español, en su alegría, en sus sufrimientos, costumbres. Nos dejó reflejado un gran testimonio del tránsito histórico de España que cruza por una tranquila situación a los graves problemas y gran crisis del siglo XIX.

Su evolución artística se puede dividir por varias etapas, que se van desarrollando en un proceso constante de corrección y profundización.

Primera etapa: Punto de vista optimista de la vida, sus cuadros reflejaban los triunfos, temas amables, con una temática costumbrista donde permanecen los elementos de luz y los paisajes tomados del barroco español.


                                     
                                                                El Otoño

En su primera etapa predomina una gran sensibilidad por el Rococó. Está lleno de color, alegría y luz, mostrándose seguro en cuanto al dibujo.
En estos momentos, su boda con Josefa Bayeau le consigue abrirle las puertas hacia la corte gracias a su cuñado el pintor Bayeau, donde puede instalarse en 1774.

Segunda etapa: Su pintura se verá influenciada por su sordera, que se desarrolla a causa de una grave enfermedad en 1772, lo que dará un giro en sus cuadros volviéndolos más tensos y dramáticos. Fue un período marcado por el sufrimiento, una visión negativa de la vida, con un predominio del negro, de la mancha y un dibujo roto. Creció un gusto por los temas tristes y amargos, la soledad, el desprecio.

El entierro de la sardina

Lleva acabo en este contexto su famosa obra Los caprichos, se trata de 80 grabados en los que decidió utilizar una técnica mixta, dándoles cierto toque humorístico entremezclándolo con lo fantasioso. Pudo presentar monstruos, bestias, un mundo de brujas, mendigos, celestinas. Frases cortas titulaban las obras que componían dicha serie, reflejando la intención del artista.

Tercera etapa: Marcada fuertemente por los horrores que vivió a causa de la guerra de independencia. Sus cuadros fueron denuncia de la contienda, donde consigue plasmar algunas acciones heroicas. La serie más destacada es Los desastres de la guerra, donde se refleja un profundo sufrimiento provocado por la dura guerra.
La composición es bastante trágica, con numerosos escorzos dinámicos, con un realismo crudo donde podemos destacar en su obra Los fusilamientos del tres de mayo.

   
                                                             Los fusilamientos del 3 de mayo

Goya se comporta en este cuadro como un fotógrafo, denunciando las masacres realizadas por las manos francesas. Usó una pincelada gruesa, con tonalidades oscuras aunque en algunas zonas decidió dotarlas de luz para iluminar y desviar la mirada a esos focos, que recaen en el grupo de prisioneros. Divide el cuadro en tres grupos de personas, primero, los soldados, que no tienen rostro, símbolos de violencia y de muerte. Por otro lado, los hombres que van subiendo al montículo iluminados por una luz de un farol, y por último, los héroes ya derrotados tirados en el suelo encima de su propio charco de sangre.

Cuarta etapa: Sus obras empiezan a reflejar un gran pesimismo sobre la vida. Lleva a cabo la serie La tauromaquia, compuesta entre unos 40 grabados que reflejan escenas taurinas, una gran afición que tenía el pintor por aquella época.
También realiza sus Pinturas negras, compuesta por 14 murales. Podemos asociarlas a las pinturas más personales de Goya, donde el colorido es casi inexistente, con unas anchas pinceladas donde predomina el negro, el ocre y un rojo apagado.

   
                                                             Dos viejos comiendo sopa

Quinta etapa: Esta fue su última etapa, donde huye de Madrid y se instala en Francia. Aquí investigó procedimientos novedosos para sus grabados. En 1826, realizó un corto viaje a España para después regresar a Burdeos donde allí consigue terminar su última obra: La lechera de Burdeos.

                                          
                                                             La lechera de Burdeos


En esta obra Goya decide volver a colores ya abandonados y dejados, con una ancha pincelada. Predomina una gama de colores frías, terminando de representar una lechera solitaria y con semblante pensativo, poniéndole punto y final a su gran recorrido artístico. Goya, murió en abril de 1828, con la edad de 82 años.

Turner

                                    Turner

                        

William Turner fue un pintor del romanticismo inglés, nacido en Londres, Inglaterra, considerado un artista desde muy temprana edad. Además de ser un gran artista se le asoció con algunos desequilibrios mentales, debido que permaneció alejado de su madre, quien estaba interna dentro de un manicomio. Estos problemas impulsará a Turner a desarrollar un arte adelantado a su época.

Su pintura se inclinó a los paisajes, llegando a ser un gran maestro indiscutible dentro de esta temática, su talento fue reconocido bastante pronto, con tan solo 23 años se convirtió en un gran pintor académico. Uno de sus más famosos paisajes son los pertenecientes a su serie Puertos de Inglaterra.

                                   


Se interesó por la filosofía sublime y por varios años su pintura se vio estancada en representar lo que veía enfrente de él, después fue evolucionando y reflejando lo que hay más allá de las apariencias.

A partir de entonces sus paisajes fueron perdiendo su definición y se acercaban cada vez más a la abstracción, a lo difuso, ya que su interés por lo nítido y lo delimitado fue disminuyendo en favor del color y la luz que marcó toda la obra. Los paisajes se diferenciaban con dificultad ya que estaban detrás de unas grandes machas de color.

Fue conocido  como el "pintor de la luz", se centró en los focos lumínicos, en una luz pura y en los colores de los reflejos, empleando cada vez menos pinturas al óleo y más acuarelas.

En su país natal, Inglaterra, tuvo mucho éxito junto con Constable, destacando en el paisajismo británico, y además, en Francia obtuvo también cierto reconocimiento. Fue un hombre que se pudo permitir viajar a lo largo de toda su vida, gracias a su gran aceptación dentro del mundo del arte, donde sus cuadros tuvieron mucho éxito, por lo que pudo ganar bastante dinero. Realizó numerosos viajes por Inglaterra y por Gales, pintando cuadros en cada lugar que visitaba.

Cuando fue a Roma, su reconocimiento creció aún más, en Italia pudo recoger muchas bases para su pintura, exploró un mundo de color, luces y atmósferas.

Un cuadro que sin duda marcó su trayecto en su mundo del arte, fue Lluvia, vapor y velocidad.





La temática está clasificada dentro de los paisajes, la técnica que decidió usar fue un óleo sobre lienzo. Representa el movimiento del tren más moderno que existía por aquel entonces, aunque dicha máquina no es el protagonista del cuadro, sino los efectos que crean la lluvia junto el vapor, dificultando ver con claridad las formas que componen el puente.

Es una composición abierta, es una textura esponjosa, se puede dividir el cuadro en dos mitades, en la superior predominan los tonos amarillos clareada por secciones en blanco y con un sombreado azul grisáceo. En la inferior las formas son muy difusas, desviando la mirada hacia la parte derecha de la obra donde se encuentran las vías del tren, que crean una sensación de salirse del cuadro. Predomina el color sobre el dibujo, utiliza una gama cromática cálida, con tonos ocres, amarillos, marrones.

Sin duda este cuadro se puede usar como referente de su evolución, ya que en él podemos apreciar como Turner finalmente llegó a diluir las formas y colocando los paisajes bajo grandes capas de color y de efectos de luz.

En 1851, Turner falleció en su casa de Chelsea, sus obras fueron enviadas a varios museos y galerías de arte. Recibió bastante reconocimiento y a su vez éxito, aunque muchos lo rechazaron como la Reina Victoria y lo criticaron tachándolo de demente, pero a día de hoy es uno de los grandes pintores que ha dejado su huella en el paso de la historia del arte.

Friedrich

                                FRIEDRICH

                                           

Caspar David Friedrich fue un pintor que perteneció al romanticismo alemán. Este pintor destacó por el gran simbolismo que le dotaba a sus cuadros, su género favorito fue el paisaje, donde puede darle al hombre un papel de espectador ante la naturaleza, representada con gran poder. Pintaba de forma libre y no por encargo, algo que parecía novedoso en aquella época.

Friedrich va construyendo a lo largo de toda su vida obras con un gran significado por detrás, pinta no solo lo que ve delante de él sino lo que hay dentro de él, lo que siente. Por eso, en su época más feliz relacionada con su matrimonio usó colores alegres y figuras femeninas, cerca de su fallecimiento su obra estuvo impulsada por objetos funerarios y búhos y en toda su obre se puede apreciar sentimientos de melancolía o soledad.

Para este pintor, la composición era muy importante, no seguía ningún canon establecido por otros artistas u otras escuelas. Su fondo y el primer plano casi siempre estaba separado, pero siempre estaban relacionados entre sí. Le gustaba darle todo el protagonismo al paisaje, representaba a los personajes que pudieran aparecer de forma inferior para que no se lleven toda la atención posible del espectador, por esa razón, solía representarlos de espalda, sin mostrar sus rostros, como si estuviesen contemplando la naturaleza que se presentan ante ellos. Así el que observa el cuadro no se podrá distraer con la anatomía del personaje. 

En sus cuadros había alegoría política, por ejemplo, el típico traje alemán hacia referencia a la situación política de la época. Solía vestir a sus personajes masculinos con una levita abrochada hasta arriba, un bonete en la cabeza y un ancho cuello. Las mujeres iban vestidas con vestidos largos y cerrados, sin ningún tipo de escote ni transparencia.

Friedrich fue un hombre religioso, por lo tanto también le dio cierta alegoría religiosa a sus cuadros, quería invocar un espíritu de religiosidad a través de sus paisajes. En sus cuadros aparece la dualidad, lo terrenal y lo espiritual, cuerpo y alma, representado en el primer plano a través de los personajes y en el fondo con el paisaje. Para Friedrich, el color violeta representaba el duelo y era el color de la melancolía, los barcos que pintaba hacía un reflejo sobre el camino de la vida, acercándose al puerto que sería la muerte. Las rocas representaban la fe firme. El invierno era la resurrección cristiana, y la nieve algo cercano a la muerte. Los abetos eran símbolos de la esperanza de la vida eterna cristiana.

                                                                  Las tres edades

Su cuadro Las tres edades es un claro ejemplo de su empleo de simbolismo. Esta obre fue pintada en 1838, aparece representado un paisaje con cinco personajes en el primer plano, quienes eran el propio Friedrich (el hombre mayor apoyado sobre un bastón) y su familia. Friedrich se representa a sí mismo de espaldas al espectador, con un bonete en la cabeza. Los cinco barcos que aparecen ya en segundo plano representa a cada uno de los personajes, haciendo referencia al camino de vida que lleva cada uno, contra más cerca del puerto, más cerca de la muerte está. El cielo presenta una entremezcla de violeta y amarillo. 

Esta obra fue una reflexión sobre su mortalidad y las etapas de la vida, por eso representa la infancia (los niños), la juventud (sus sobrinos, ya adultos), y la vejez (Friedrich). El paisaje en sí es una playa en un atardecer de verano. El autor cuidó  mucho de la composición, marcando una línea horizontal baja dejándole un espacio amplio al cielo. Su familia aparece totalmente centrada, en cambio Friedrich está un poco inclinado hacia el lado izquierdo.

Esta obra contiene una gran carga simbólica y emocional, parece que realiza este cuadro a modo de despedida de su vida y de su propia familia, asimilando su fallecimiento cercano.