Bonnard

                                 Bonnard

Pierre Bonnard (1867-1947) fue el fundador del grupo simbolista del arte Nabis en 1888, cuyo objetivo era plasmar en sus cuadros una realidad que fuera más allá de lo óptico y lo perceptible. Podemos definir su producción como algo muy personal y original, Bonnard consiguió desarrollar un estilo propio destacando entre los demás miembros del arte Nabis.

Acogió influencia del Impresionismo, como por ejemplo, los colores complementarios, sobretodo en el uso de hacer las sombras. Del cubismo le interesó la manera de yuxtaponer los diferentes puntos de vista de un mismo objeto.

Todas estas influencias Bonnard las toma como un ejemplo a seguir, partiendo de una base hasta manejar las técnicas con un toque mucho más personal.

Pierre Bonnard pintó varios escenarios, una gran variedad de géneros, se podría decir que nos dejó el paso de su vida en sus obras. Eran temas de ámbito sobretodo doméstico, donde se desarrolla su vida.                                                                                                                                 

                                                                                                                  

Dentro de los retratos, el artista intenta representar lo más parecido a la realidad. No solía pintar a personas que no conocía o por encargo, más bien, se interesó por plasmar a su círculo de amistades más cercanos: su amante, su cuñado, sus amigos, sus familiares..., los retrataba de una manera muy natural, nada artificial, sin posados.

En cuanto a los autorretratos, Bonnard decide representarse tal y como era, sin llevar ningún tipo de complemento que pudiera desviar la atención del espectador o que diera el parecer de ser algo artificial y colocado para la ocasión. 

Sus interiores no tenían la intención de describir un conjunto de objetos en sí, el propósito del artista era hacer una alusión a sentimientos, como el amor, la ternura, la indignación o el erotismo. La composición solía estar cortada por una puerta, una ventana, o un objeto cualquiera, con el objetivo de centrar la atención sobre una persona o un conjunto en concreto.

           

       Desnudo en un interior                                                                                     Inteior

Los paisajes le sirvieron para poder proyectar sus ideas más personales, a menudo fusionaba lo real con lo imaginario, composiciones llenas de colores saturados. Decide darle un amplio encuadre a sus paisajes para poder jugar con la perspectiva. 

                                                                        Cagnes

Como era propio del grupo artístico al que pertenecía, su interés se desviaba mucho por lo exótico y por lo oriental. El color en sus obras era un elemento prioritario, colores superpuestos con un gran sentido estético, aunque algunas veces apostó por usar colores planos.

Bonnard falleció en 1947, dejando una huella dentro del arte no solo como simple artista, sino también como fundador del prestigioso arte Nabis. Pudo desarrollar un sin fin de grandes obras personales destacadas por su enorme colorido y suaves pinceladas. 

Goya

                                      

Francisco de Goya fue una figura bastante importante dentro de la historia pictórica española. Sus obras se inspiran sobretodo en el pueblo español, en su alegría, en sus sufrimientos, costumbres. Nos dejó reflejado un gran testimonio del tránsito histórico de España que cruza por una tranquila situación a los graves problemas y gran crisis del siglo XIX.

Su evolución artística se puede dividir por varias etapas, que se van desarrollando en un proceso constante de corrección y profundización.

Primera etapa: Punto de vista optimista de la vida, sus cuadros reflejaban los triunfos, temas amables, con una temática costumbrista donde permanecen los elementos de luz y los paisajes tomados del barroco español.


                                     
                                                                El Otoño

En su primera etapa predomina una gran sensibilidad por el Rococó. Está lleno de color, alegría y luz, mostrándose seguro en cuanto al dibujo.
En estos momentos, su boda con Josefa Bayeau le consigue abrirle las puertas hacia la corte gracias a su cuñado el pintor Bayeau, donde puede instalarse en 1774.

Segunda etapa: Su pintura se verá influenciada por su sordera, que se desarrolla a causa de una grave enfermedad en 1772, lo que dará un giro en sus cuadros volviéndolos más tensos y dramáticos. Fue un período marcado por el sufrimiento, una visión negativa de la vida, con un predominio del negro, de la mancha y un dibujo roto. Creció un gusto por los temas tristes y amargos, la soledad, el desprecio.

El entierro de la sardina

Lleva acabo en este contexto su famosa obra Los caprichos, se trata de 80 grabados en los que decidió utilizar una técnica mixta, dándoles cierto toque humorístico entremezclándolo con lo fantasioso. Pudo presentar monstruos, bestias, un mundo de brujas, mendigos, celestinas. Frases cortas titulaban las obras que componían dicha serie, reflejando la intención del artista.

Tercera etapa: Marcada fuertemente por los horrores que vivió a causa de la guerra de independencia. Sus cuadros fueron denuncia de la contienda, donde consigue plasmar algunas acciones heroicas. La serie más destacada es Los desastres de la guerra, donde se refleja un profundo sufrimiento provocado por la dura guerra.
La composición es bastante trágica, con numerosos escorzos dinámicos, con un realismo crudo donde podemos destacar en su obra Los fusilamientos del tres de mayo.

   
                                                             Los fusilamientos del 3 de mayo

Goya se comporta en este cuadro como un fotógrafo, denunciando las masacres realizadas por las manos francesas. Usó una pincelada gruesa, con tonalidades oscuras aunque en algunas zonas decidió dotarlas de luz para iluminar y desviar la mirada a esos focos, que recaen en el grupo de prisioneros. Divide el cuadro en tres grupos de personas, primero, los soldados, que no tienen rostro, símbolos de violencia y de muerte. Por otro lado, los hombres que van subiendo al montículo iluminados por una luz de un farol, y por último, los héroes ya derrotados tirados en el suelo encima de su propio charco de sangre.

Cuarta etapa: Sus obras empiezan a reflejar un gran pesimismo sobre la vida. Lleva a cabo la serie La tauromaquia, compuesta entre unos 40 grabados que reflejan escenas taurinas, una gran afición que tenía el pintor por aquella época.
También realiza sus Pinturas negras, compuesta por 14 murales. Podemos asociarlas a las pinturas más personales de Goya, donde el colorido es casi inexistente, con unas anchas pinceladas donde predomina el negro, el ocre y un rojo apagado.

   
                                                             Dos viejos comiendo sopa

Quinta etapa: Esta fue su última etapa, donde huye de Madrid y se instala en Francia. Aquí investigó procedimientos novedosos para sus grabados. En 1826, realizó un corto viaje a España para después regresar a Burdeos donde allí consigue terminar su última obra: La lechera de Burdeos.

                                          
                                                             La lechera de Burdeos


En esta obra Goya decide volver a colores ya abandonados y dejados, con una ancha pincelada. Predomina una gama de colores frías, terminando de representar una lechera solitaria y con semblante pensativo, poniéndole punto y final a su gran recorrido artístico. Goya, murió en abril de 1828, con la edad de 82 años.

Turner

                                    Turner

                        

William Turner fue un pintor del romanticismo inglés, nacido en Londres, Inglaterra, considerado un artista desde muy temprana edad. Además de ser un gran artista se le asoció con algunos desequilibrios mentales, debido que permaneció alejado de su madre, quien estaba interna dentro de un manicomio. Estos problemas impulsará a Turner a desarrollar un arte adelantado a su época.

Su pintura se inclinó a los paisajes, llegando a ser un gran maestro indiscutible dentro de esta temática, su talento fue reconocido bastante pronto, con tan solo 23 años se convirtió en un gran pintor académico. Uno de sus más famosos paisajes son los pertenecientes a su serie Puertos de Inglaterra.

                                   


Se interesó por la filosofía sublime y por varios años su pintura se vio estancada en representar lo que veía enfrente de él, después fue evolucionando y reflejando lo que hay más allá de las apariencias.

A partir de entonces sus paisajes fueron perdiendo su definición y se acercaban cada vez más a la abstracción, a lo difuso, ya que su interés por lo nítido y lo delimitado fue disminuyendo en favor del color y la luz que marcó toda la obra. Los paisajes se diferenciaban con dificultad ya que estaban detrás de unas grandes machas de color.

Fue conocido  como el "pintor de la luz", se centró en los focos lumínicos, en una luz pura y en los colores de los reflejos, empleando cada vez menos pinturas al óleo y más acuarelas.

En su país natal, Inglaterra, tuvo mucho éxito junto con Constable, destacando en el paisajismo británico, y además, en Francia obtuvo también cierto reconocimiento. Fue un hombre que se pudo permitir viajar a lo largo de toda su vida, gracias a su gran aceptación dentro del mundo del arte, donde sus cuadros tuvieron mucho éxito, por lo que pudo ganar bastante dinero. Realizó numerosos viajes por Inglaterra y por Gales, pintando cuadros en cada lugar que visitaba.

Cuando fue a Roma, su reconocimiento creció aún más, en Italia pudo recoger muchas bases para su pintura, exploró un mundo de color, luces y atmósferas.

Un cuadro que sin duda marcó su trayecto en su mundo del arte, fue Lluvia, vapor y velocidad.





La temática está clasificada dentro de los paisajes, la técnica que decidió usar fue un óleo sobre lienzo. Representa el movimiento del tren más moderno que existía por aquel entonces, aunque dicha máquina no es el protagonista del cuadro, sino los efectos que crean la lluvia junto el vapor, dificultando ver con claridad las formas que componen el puente.

Es una composición abierta, es una textura esponjosa, se puede dividir el cuadro en dos mitades, en la superior predominan los tonos amarillos clareada por secciones en blanco y con un sombreado azul grisáceo. En la inferior las formas son muy difusas, desviando la mirada hacia la parte derecha de la obra donde se encuentran las vías del tren, que crean una sensación de salirse del cuadro. Predomina el color sobre el dibujo, utiliza una gama cromática cálida, con tonos ocres, amarillos, marrones.

Sin duda este cuadro se puede usar como referente de su evolución, ya que en él podemos apreciar como Turner finalmente llegó a diluir las formas y colocando los paisajes bajo grandes capas de color y de efectos de luz.

En 1851, Turner falleció en su casa de Chelsea, sus obras fueron enviadas a varios museos y galerías de arte. Recibió bastante reconocimiento y a su vez éxito, aunque muchos lo rechazaron como la Reina Victoria y lo criticaron tachándolo de demente, pero a día de hoy es uno de los grandes pintores que ha dejado su huella en el paso de la historia del arte.

Friedrich

                                FRIEDRICH

                                           

Caspar David Friedrich fue un pintor que perteneció al romanticismo alemán. Este pintor destacó por el gran simbolismo que le dotaba a sus cuadros, su género favorito fue el paisaje, donde puede darle al hombre un papel de espectador ante la naturaleza, representada con gran poder. Pintaba de forma libre y no por encargo, algo que parecía novedoso en aquella época.

Friedrich va construyendo a lo largo de toda su vida obras con un gran significado por detrás, pinta no solo lo que ve delante de él sino lo que hay dentro de él, lo que siente. Por eso, en su época más feliz relacionada con su matrimonio usó colores alegres y figuras femeninas, cerca de su fallecimiento su obra estuvo impulsada por objetos funerarios y búhos y en toda su obre se puede apreciar sentimientos de melancolía o soledad.

Para este pintor, la composición era muy importante, no seguía ningún canon establecido por otros artistas u otras escuelas. Su fondo y el primer plano casi siempre estaba separado, pero siempre estaban relacionados entre sí. Le gustaba darle todo el protagonismo al paisaje, representaba a los personajes que pudieran aparecer de forma inferior para que no se lleven toda la atención posible del espectador, por esa razón, solía representarlos de espalda, sin mostrar sus rostros, como si estuviesen contemplando la naturaleza que se presentan ante ellos. Así el que observa el cuadro no se podrá distraer con la anatomía del personaje. 

En sus cuadros había alegoría política, por ejemplo, el típico traje alemán hacia referencia a la situación política de la época. Solía vestir a sus personajes masculinos con una levita abrochada hasta arriba, un bonete en la cabeza y un ancho cuello. Las mujeres iban vestidas con vestidos largos y cerrados, sin ningún tipo de escote ni transparencia.

Friedrich fue un hombre religioso, por lo tanto también le dio cierta alegoría religiosa a sus cuadros, quería invocar un espíritu de religiosidad a través de sus paisajes. En sus cuadros aparece la dualidad, lo terrenal y lo espiritual, cuerpo y alma, representado en el primer plano a través de los personajes y en el fondo con el paisaje. Para Friedrich, el color violeta representaba el duelo y era el color de la melancolía, los barcos que pintaba hacía un reflejo sobre el camino de la vida, acercándose al puerto que sería la muerte. Las rocas representaban la fe firme. El invierno era la resurrección cristiana, y la nieve algo cercano a la muerte. Los abetos eran símbolos de la esperanza de la vida eterna cristiana.

                                                                  Las tres edades

Su cuadro Las tres edades es un claro ejemplo de su empleo de simbolismo. Esta obre fue pintada en 1838, aparece representado un paisaje con cinco personajes en el primer plano, quienes eran el propio Friedrich (el hombre mayor apoyado sobre un bastón) y su familia. Friedrich se representa a sí mismo de espaldas al espectador, con un bonete en la cabeza. Los cinco barcos que aparecen ya en segundo plano representa a cada uno de los personajes, haciendo referencia al camino de vida que lleva cada uno, contra más cerca del puerto, más cerca de la muerte está. El cielo presenta una entremezcla de violeta y amarillo. 

Esta obra fue una reflexión sobre su mortalidad y las etapas de la vida, por eso representa la infancia (los niños), la juventud (sus sobrinos, ya adultos), y la vejez (Friedrich). El paisaje en sí es una playa en un atardecer de verano. El autor cuidó  mucho de la composición, marcando una línea horizontal baja dejándole un espacio amplio al cielo. Su familia aparece totalmente centrada, en cambio Friedrich está un poco inclinado hacia el lado izquierdo.

Esta obra contiene una gran carga simbólica y emocional, parece que realiza este cuadro a modo de despedida de su vida y de su propia familia, asimilando su fallecimiento cercano.

Historia del arte

Historia Del Arte
En este blog se va a abarcar los principales artistas de la historia del arte desde el Romanticismo, con pintores excelentes como Friedrich y Turner,  hasta el arte contemporáneo. Además de analizar y comentar algunas de sus obras más famosas y reconocidas y caracterizar las diferentes etapas y movimientos artísticos que ha tenido la Historia del Arte en sus diferentes géneros artísticos.